[攝影雜談][Pen-FT]Lady Grey 400-(三)黑白、構圖與布列松。

Olympus Pen-FT

F.zuiko 38mm f1.8

Lady Grey 400

今天想簡單的談一個比較不太會被注意的小點，也就是灰階的部份。
一般來說多數的人都喜歡拍攝彩色的主題，也是喜愛正片的高度飽和與鮮艷、負片的各種變化才愛上銀鹽的美。

而彩色負片一直到1942年才被發明，那麼彩色之前的黑白世界呢?







關於黑與白，要先提到的就是攝影大師--布列松

著名的法國攝影師Henri Cartier-Bresson(亨利·卡蒂埃－布列松，1908年8月22日－2004年8月2日)年少時學習繪畫，1930年開始加入攝影創作，1931年廣泛遊歷各地，作品也開始在報紙、雜誌、書籍上陸續發表。他偏愛黑白攝影，反對裁剪照片與使用閃光燈，認為不應干涉現場光線，被譽為20世紀最偉大的攝影家之一，及現代新聞攝影的創立人。

Cartier-Bresson, Henri - Behind the Gare Saint-Lazare [1932] 

從小向畫家叔父路易斯(Louis)學習油畫的布列松，自然受到藝術許多陶薰，及得到美學的涵養；1927年，19歲的布勒松進入了一所私立藝術學校和洛特學院，1928到1929年，布勒松進入劍橋學習英國藝術和文學。青壯年時遊歷世界各地，拍攝了許多紀實攝影以及新聞攝影。


他曾在戰後1948年前往印度拍攝的甘地葬禮，以及在此後1949年前往政權更替的中國從事的攝影紀實，為他贏得了世界聲譽。1949年，他分別在國民黨統治大陸最後的6個月和共產黨取得政權後的6個月內從事了大量拍攝活動，在北京記錄下了最後一批太監的影像，並見證了北京新政權的建立。此後又前往荷屬東印度，拍攝紀錄了印尼的獨立。
1954年蘇聯領袖史達林逝世後，他成為第一個被允許進入蘇聯的西方攝影記者。


在晚年(1970年代)，布勒松逐漸退出職業攝影行業，1975後就不再有他的攝影作品出現。相反的他將更多的熱情投入到私人繪畫中。


法國總統希拉克在他逝世後，稱他是「法國一位天才的攝影家、一位真正的大師、在他那代人中最具天賦並深受世人尊敬的藝術家之一」。世界各地崇敬他的人們通過各種方式表示了哀思。


1952年，布勒松的著作 《決定性瞬間》(法語：Images à la sauvette/英語：The Decisive Moment)出版。
在此後，這本書幾乎成為紀實攝影的聖經。法語版Images à la Sauvette，大意為「圖像進行時(images on the run)」或是「攫取的圖像(stolen images)」，名稱由布勒松本人所敬仰的希臘裔法國出版家Tériade所取。英文名「決定性瞬間」則由Simon & Schuster出版社的迪克·西蒙(Dick Simon)所取。


以上摘路自維基百科

Cartier-Bresson's first Leica

很多媒體都報導過，布列松一生只使用萊卡相機拍攝。
之所以布列松選擇使用萊卡"M"系列的相機，是因為他希望將快門聲降到最低，讓自己就像是個徹底的旁觀者，在想按下快門時讓人神不知鬼不覺。

受過藝術訓練的布列松，自然對「構圖」、「光線」、「明暗基調」有過人的掌握度。但美學的涵養並不能只靠訓練而成，還必須要內在的探索與洗練才可以創作而成。

美學的要素之中，通常有幾點要素最常被提及，也就是統一、平衡、韻律、比例。




在此引用《藝術的創意與意象》一書對「統一」的解釋：藝術家使用「支配」與「從屬」的方法，來控制視覺現象的本末，或者給予所要的注意力。所有其他賴以獲得異議或感觸價值的要素，便是作品中的「支配要素」。達成支配性最容易的辦法，是「大小」，最大的形象最先看見。其次是色彩強度，第三種辦法則是「位置」，中央部位的物象可能獲得最早的注意，這說明為何繪人像或人像攝影時，頭部總是在中間的中心點之上方，這是與觀賞者在看自己的照片時，他所希望的頭部位置相一致的。






而「平衡」在藝術與美學中是種視覺條件，如「重量」、「壓力」、「張力」、「安定」等名詞，是從物理和工程學借用來的，產生觀念意義。最簡單的平衡法是「對稱平衡」，通常稱之為雙邊對稱，視覺的左右兩邊是相同的，像是鏡射一般，也僅需低限的觀察力。


「不對稱平衡」也是平衡的一種，但是較為複雜化，但是可以使欣賞者得到在其中所經驗到的喜悅反應。


「對比平衡」也可稱為相異或相反的平衡。他是不對稱的、動態平衡的風格，這種平衡最困難，因為這中間涉及各種因素的不同量的視覺要求之計算。它包括顏色之間的對比、形的對比、光度的對比，還有色與形的對比。


而「韻律」一辭基本上運用於詩和音樂，與時間的度量有關。在視覺藝術中，韻律是「一種或數種因素有秩序和規律的反覆發生。」主要的韻律有「反覆的」、「交替的」、「前進的」與「流動的」數種。


藝術之中韻律次序的建立，必須要有計畫，並經過計算，但這種計算如果沒有創造力的因子，容易形成機械的圖案，不具美感，也使觀者厭煩。也可以說是一種在理解作品時可依量的因素。



最後「比例」是最容易注意到的點，「比例」指的是各部分與整體及相互之間的大小關係。但「比例」並無永久的規則可以訂出正確的或調和的比例。曾經有人嘗試過確定一種完美的比例規則，也就是「黃金分割率」(Golden Section)，但它只是種公式，若將畫面都維持在切割線上，那是會很乏味的事。


上圖布列松的攝影作品其實包含了各種法則，不知道是否是刻意或者不經意的，左下角的男人看似主角，佔的份量比相當大，剛好他對角對比著其他人物，而後方的人物又有韻律感以及平衡感的零星分布於背景，這張攝影作品的角度及產生了相當成熟的構圖法則，也具有了和諧的美感。

充滿自信的小孩，可以從他望向遠方的眼神看出

布列松的作品並非每次在構圖上都嚴謹的遵循構圖法則，他憑藉的是他的感覺，屬於直覺性的觸發；但比起其他或者現代為了捕捉每一刻而大量拍攝的人來說，布列松的做法則大相逕庭，他選擇等待，等到他想按下快門的那一刻，他才按下快門，去拍攝自己想要的畫面。布列松既吸收傳統的法則，也創新了自己的法則去拍攝，所以他的作品讓世人看到的不一定是遵守法則之下的完美作品，而是為了感情表露的真畫面。




藝術創作於自美學的需要與衝動。暗示這種美學的需要與衝動，並不是藝術家們專有的興趣。每個人似乎都關心視覺世界中凡是美的、取悅的和適當的東西。易言之，我們對美有興趣，無論它是從人物、自然、或日常用品中發現。


也許我們這個時代對藝術的態度，不再探討藝術是如此豐富和如此難懂的事實，而是在享受藝術所能提供於每種情緒與衝動的廣泛選擇。
---《藝術的創意與意象》艾德蒙‧伯克‧費德曼

艾德蒙在討論的是在現代已經不需要多做藝術文本、或者艱澀的討論，而是在於如何去享受藝術的創作與過程，親身的體驗比起紙本上的、不切實際的來得重要的多。也正像布列松所說過的，不要把他的言談奉為宗旨，而要按照自己的想法去拍攝，過多的法則與規範只會產生反效果、也得不到進步。

螺旋狀的構圖，搭配上小孩疑惑的面孔，螺旋狀也像是加深的這個"疑惑"的氛圍

著名學者羅蘭巴特在母親的逝世後，他看到小時候的母親與自己的合照，對照片有了不同的分析，寫成《明室：攝影札記》一書，英文版 Camera Lucida；「冷靜的暗房」一書中提及：羅蘭巴特等人認為人在被攝的一瞬間就是一種死亡，因為攝影具有時間的凝聚性，同時也將這一刻掠奪了。

羅蘭巴特的講法強調觀者與照片中曾經存在的歷史有所關係，因為他對於that-has-been有著強烈的感覺，羅蘭巴特亦認為黑白更能代表逝去的死亡，這種強烈的感覺導致他認為黑白才是照片的本相，彩色不過是之後添加的部份。

他認為彩色是一種「美容」，而美容過後的攝影無法代表真實。他對彩色攝影感到乏味，因為黑白與昔日的歷史相連結，而彩色卻是後來出現的。其實不單是羅蘭巴特持這種想法，早期的攝影家都與羅蘭巴特有類似的想法，這又牽涉到紀實攝影(documentary photography)對於黑白的偏愛。早期學界及攝影家均將黑白攝影定議程紀實攝影的唯一表現形式，甚至一般大眾也是如此。這種偏愛黑白的傾向，一直到1970年代才逐漸打破，而柯達卻早在1942年就發明了彩色負片。

布列松的攝影方法，也是一種紀錄死亡的方式。觀察他人，透過相機與底片，將一瞬間記錄下來，布列松這「決定性瞬間」也將某人掠奪到畫面之中，停止了時空。同時，這是種戀物，也是種奪取，而攝影的奪取是免費的，不如繪畫需要擺設主題與佈置，街拍就可以得取理想的畫面，且不同於繪畫，布列松從來就不干涉他的拍攝對象。

布列松曾經說過：「攝影者必須在眾多瞬間中找到屬於自己的，這樣的瞬間可以深刻的表達真實。在攝影中微小的細節可能是一個絕佳的主題，平常看似不重要的事件，也有可能成為照片中的關鍵。」這段則是布列松對於紀實攝影的論述。

對角線綿延的構圖，與身著深色系制服的大人對比的是前方淺灰色細，拿著花朵的小女孩

在那個時代的氛圍之下，以及戰爭的背景，黑白攝影去除了色彩的點綴，也更突顯了人的純粹。特別的是我們常稱呼他為「黑白攝影」卻鮮少有人提及這黑與白之間的「灰」；灰調子在畫面之中其實佔的空間最多，當畫面的黑與白達到強烈對比時，通常灰色就顯得少些，而畫面就顯得特別有張力，對於主題的強調也更為明顯。

而布列松的作品對比也不特別強烈，反而「灰」佔的比率相當高，看似他攝影時並不特別預想凸顯什麼，而是在構圖後即將眼前的真實記錄下來，所以也顯得他的作品之中真實與生活感很強，就像生活週遭可循，但人物情感流露的剎那又不是輕易可以得到的。


若是純粹的黑與白，畫面只會如同平面的剪影般僵硬而單調，灰色就像是調解劑一般的潤滑那股兩色間的生澀。也是這股灰才帶得出人的神色與互動，布列松的攝影作品裡有的大量的灰，灰中有豐富的層次性，值得反覆的觀察與細看。

淺灰調子與對角構圖的人

深灰調子與人群間的互動

布列松說：「照相是一種直覺，而繪畫則為一種思索。」
也許正是因為這樣的直覺，才能讓人對於他的作品感到貼近生活，具有親和力，而去掉了色彩，人們更會關注於隱藏在色彩面紗之下的內容。



雖然關於早期對於「攝影究竟是不是藝術」有著相當多的論述在探討，但是在現代此項目幾乎不需要做討論，無庸置疑的，現代攝影比起早期的傳統攝影更添加了許多想法與創新，而國際藝術拍賣上攝影作品的拍賣也不算是稀客了，因此對於攝影而言，在現代，攝影是藝術，同時也反映了那個時代的美學。

到了現代的生活，偶爾還是會有人問說，你拍底片嗎?是黑白還是彩色的呢?
說是黑白的，對方的反應通常都是：黑白的？好復古喔。

黑白所能再現的不一定是種復古味，同時也像上述所說的，他足以將當下的瞬間轉換為歷史的一刻，他容易形成一種歷史，也容易帶出劇情的張力。前一陣子的電影－「大藝術家」(the Artist)，也是以黑白默劇的方式去呈現，在現代資訊紛雜，色彩鮮明的時代，或許只有回歸沒有色彩的色彩時，觀眾才會更聚焦在內容。

好的攝影能夠讓人沉思，甚至是只要能讓人駐足於前，稍作思考畫面中人物的內容，或許也就足夠了。畢竟現代攝影的美學不如傳統哪麼的侷限，現代也產生了許多的拍攝手法與不同的美學觀，不一定只拍攝人物，其他的主題也讓人能細細回味。



你喜歡黑白照片下的氛圍嗎?
是否也嘗試看看。





資料來源：
Henri Cartier-Bresson
Remembering the Henri Cartier-Bresson retrospective Exhibition at the MOMA.
《冷靜的暗房》一書
《藝術的創意與意象》一書


延伸閱讀：
[攝影雜談][Pen-FT]Lady Grey 400-(二)新竹玻璃工藝館附近。
[攝影雜談]使用Pen-FT的第二捲黑白底片-Lady Grey 400(一)